MIS PELÍCULAS FAVORITAS: “A PLENO SOL” (René Clément, 1960)

 

PLEIN SOLEIL (1960)

  A pleno sol, adaptación libre de The Talented Mr. Ripley de Patricia Highsmith, constituye una cumbre del thriller psicológico europeo de la década de los 60. René Clément construye una película elegante y perturbadora donde el crimen no surge de un simple arrebato pasional, sino de una ambición fría y calculada. Desde el comienzo, la función establece una atmósfera de belleza mediterránea en contraste con la oscura moral del protagonista.

   Tom Ripley (Alain Delon) es enviado a Europa por el señor Greenleaf para buscar a su hijo Philip (Maurice Ronet), un playboy mimado, y llevarlo de vuelta a Estados Unidos. A cambio recibirá 5000 dólares. Philip engaña a Tom fingiendo que está decidido a volver, pero no tiene ninguna intención de dejar a su prometida, Marge (Marie Laforêt), ni de cumplir los deseos de su padre.

   La potente energía de la película reside en la superlativa interpretación de un Alain Delon con 25 años dando oxígeno a Tom Ripley. Delon convierte al personaje en una figura magnética: bellísimo, sereno y aparentemente inofensivo, pero atravesado por un vacío existencial y moral absoluto. Su rostro impasible funciona como una máscara perfecta detrás de la cual se oculta la envidia, los celos, el resentimiento y el deseo de una alta posición social. La película entiende que el verdadero peligro de Ripley no es su violencia, sino su capacidad para adaptarse y mimetizarse con el entorno. El recordado actor francés logra que el espectador sienta por él la misma fascinación que rechazo, lo cual es esencial para que el relato funcione.

  Clément aprovecha los paisajes italianos de Roma, Nápoles y la costa mediterránea no sólo como decorado turístico, sino como parte fundamental de la narración. El sol, omnipresente, el mar de un azul cegador y los espacios abiertos generan una sensación paradójica: cuánto más luminosa es la imagen, más turbia se vuelve la historia. La fotografía de Henri Decaë refuerza esta dualidad con una composición refinada y precisa, cercana por momentos al cine negro, aunque bañada por la armonía de unos colores cálidos y veraniegos.

  Frente al tono más introspectivo y melancólico de versiones posteriores, A pleno sol apuesta por una sequedad narrativa admirable. Clément desprecia los sentimentalismos y se concentra en la tensión derivada de la impostura y el engaño. Cada gesto de Ripley parece cuidadosamente medido, y el suspense nace de observar hasta dónde puede sostener su fatal mentira.

   Sé que algunos críticos tildaron en su día el desenlace de moralizante, y que de esa manera traiciona parcialmente el espíritu ambiguo de Highsmith, pero la película no es la novela y conserva intacta su capacidad de seducción. Vista hoy, A plano sol sigue siendo un thriller sofisticado, retorcido y cruel, donde el crimen aparece ligado al deseo de ocupar el lugar y la identidad de otro. Bajo la luz deslumbrante del Mediterráneo, Clément revela un universo donde la identidad es una máscara y la belleza puede esconder una amenaza letal.

MIS PELÍCULAS FAVORITAS: “LA VIDA DE LOS OTROS” (Florian Henckel von Donnersmarck, 2006)

 

Una de las mejores películas del siglo XXI

     La vida de los otros, ópera prima del director alemán  Florian Henckel von Donnesmarck, ocupa un lugar singular dentro del cine político contemporáneo por la manera que transforma un relato de vigilancia estatal en una profunda meditación sobre la ética, la estética y la moral. Ambientada en la República Democrática Alemana en 1984, la película evita el didactismo histórico convencional para construir, en cambio, una tragedia íntima sobre la conciencia humana bajo un régimen totalitario. Su valor no reside únicamente en la reconstrucción histórica de la Stasi, sino en la capacidad de convertir el acto de escuchar en un problema filosófico.

  Desde sus primeras secuencias, la película establece un universo regido por la deshumanización burocrática. El capitán Gerd Wiesler (Ulrich Mühe) aparece como la encarnación perfecta del aparato estatal: metódico, austero y emocionalmente petrificado. La puesta en escena subraya esta condición mediante una estética deliberadamente ascética. Los escenarios son fríos, geométricos y opresivos; predominan los tonos verdes apagados, los grises industriales y la iluminación sin calidez. Donnersmarck construye así un espacio visual donde la ideología parece haber sustituido toda experiencia afectiva.

   Sin embargo, el verdadero núcleo de la película emerge cuando el sistema de vigilancia comienza a producir el efecto contrario al esperado. El observador se humaniza a través de aquello que espía. Wiesler, destinado a espiar la vida del dramaturgo Georg Dreyman (Sebastian Koch) y de la actriz Christa-Maria Sieland (Martina Gedeck), termina siendo afectado por el arte, el amor y la vulnerabilidad de sus víctimas. Este desplazamiento convierte a la película en una reflexión profundamente romántica -en un sentido filosófico del término- acerca del poder transformador de la experiencia estética y la introspección íntima.

     La escena del “Sonata para un hombre bueno” constituye el eje central moral de la obra. Allí, Donnersmarck plantea una tesis que recuerda que tanto Schiller como a Adorno: el arte auténtico puede restaurar aquello que los sistemas políticos intentan destruir en el ser humano. Wiesler escucha la pieza musical desde el ático donde realiza la vigilancia y, por primera vez, el rostro impasible del funcionario revela una grieta emocional. El trabajo contenido de Mühe resulta extraordinario precisamente porque evita toda exteriorización melodramática. La transformación del personaje ocurre en el silencio de la buhardilla que sirve de escenario para el espionaje, en silencio, con expresiones mínimas y pequeñas vacilaciones; es una interpretación construida desde la interioridad absoluta.

   La vida de los otros también sobresale por su negativa a simplificar éticamente el contexto histórico. Aunque la Stasi se representa como un mecanismo de control brutal, Donnersmarck se aleja de la caricatura propagandística. El régimen no es representado únicamente mediante la violencia física, sino a través de formas más sofisticadas de corrupción espiritual: el miedo se ha convertido en rutina, así como la autocensura, la instrumentalización del deseo y la degradación progresiva de la moral. El ministro Hempf y el teniente coronel Grubitz no son monstruos excepcionales, sino funcionarios perfectamente integrados en una lógica administrativa del poder. En este sentido, la película dialoga con la tradición de “1984”, aunque reemplaza el fatalismo absoluto de Orwell por una tenue posibilidad de redención individual.

   Otro aspecto notable es el uso del tiempo narrativo. Donnersmarck adopta una estructura narrativa pausada, donde cada escena añade una pequeña modificación al estado moral de los personajes. La tensión no depende de giros argumentales espectaculares, sino de transformaciones éticas imperceptibles. Esta contención formal distingue La vida de los otros de otros thrillers políticos más convencionales y la acerca más al cine europeo de observación moral, heredero de Kiéslowski o Haneke.

    La dimensión histórica adquiere aún más profundidad si se considera que la película fue realizada más de una década y media después de la reunificación de las dos Alemanias, en un contexto en el que la memoria de la RDA todavía seguía siendo objeto de disputa cultural. No obstante, el director evita caer en un anticomunismo simplista. Entiende que el problema central no es una ideología específica, sino la capacidad de cualquier estructura de poder estatal para invadir la intimidad y erosionar la autonomía del pensamiento.

  El desenlace confirma la extraordinaria inteligencia emocional de la película. La dedicatoria final del libro escrito por el dramaturgo Dreyman (“Para HGW XX/7”, con gratitud), funciona como un gesto silencioso, pero emocionalmente devastador. La redención de Wiesler no pasa por el heroísmo público ni por el reconocimiento social; consiste únicamente en haber preservado, en secreto, un resto de humanidad dentro de un sistema diseñado para destruirla. La última frase, “Es para mí”, posee una sencillez que sintetiza toda la poética de la función: la dignidad humana para sobrevivir incluso en las condiciones más adversas, aunque lo haga de manera invisible.

    En términos cinematográficos, La vida de los otros representa uno de los raros casos donde forma, ética e historia alcanzan una armonía casi perfecta. Su grandeza proviene de entender que la vigilancia no es solamente un fenómeno político, sino también existencial: observar la vida ajena implica inevitablemente confrontarla con la propia. Por ello, la película trasciende su contexto histórico específico y se nos muestra como una reflexión universal sobre la conciencia, la culpa y la posibilidad, siempre frágil, de la redención y la compasión.

CRÍTICA: "UN POETA" (Simón Mesa Soto, 2025)

 

Emotiva oda a la resistencia y el fracaso

“UN POETA”  êêêê

DIRECTOR: Simón Mesa Soto.

INTÉRPRETES: Ubeimar Ríos, Rebeca Andrade, Guillermo Cardona, Humberto Restrepo, Margarita Soto, Allison Correa.

GÉNERO: Drama-comedia / DURACIÓN: 120 minutos / PAÍS: Colombia / AÑO: 2025

   Tras debutar en el largometraje con la interesante Amparo, el director colombiano Simón Mesa Soto nos presenta Un poeta, película  rodada con un presupuesto de guerrilla y actores no profesionales que narra la historia de Óscar Restrepo (Ubeimar Ríos) un profesor universitario que abandonó su profesión por la obsesión que tiene por la poesía, algo que, a pesar de publicar varios poemarios, no le ha reportado ninguna gloria. Envejecido y errático ha sucumbido al tópico de poeta en la sombra. Cuando vuelve a su profesión en un instituto y conoce a una alumna de origen humilde que escribe poemas, Yurlady (Rebeca Andrade), quiere ayudarla a cultivar su talento y de paso llenar con algo de luz sus días, pero arrastrarla por el camino de la poesía quizás no sea tan buena idea.

    Hay películas que parecen escritas contra el ruido que nos rodea. Un poeta pertenece a esa categoría: una obra que avanza despacio, observando personajes derrotados con una mezcla de ironía, ternura y una tristeza existencial difícil de evaluar. No estamos ante una película sobre poesías en un sentido académico y romántico; es una película sobre el fracaso, sobre la erosión de la dignidad y sobre la necesidad casi patética -aunque profundamente humana- de que las palabras y la lírica todavía pueden salvarnos de algo.

    El protagonista vive atrapado entre la precariedad material, su adicción al alcohol y la nostalgia de una vocación que quizá nunca tuvo un lugar verdadero en el mundo. Simón Mesa Soto evita convertirlo en un héroe bohemio. No hay glamour en su miseria, ni sentimentalismo en su decadencia cotidiana. El director filma los deprimentes espacios urbanos con una sobriedad casi documental: barrios degradados, interiores paupérrimos, masificación familiar. Esa textura realista le da a la película una autenticidad notable, como si estuviéramos observando fragmentos de una vida encontrada más que una ficción cuidadosamente diseñada. 

    Me detengo aquí porque este es una de los grandes aciertos de Un poeta: su rechazo frontal a la estetización complaciente de la pobreza y de los cuerpos no normativos. Mesa Soto no intenta embellecer los márgenes para hacerlos más digeribles para el espectador. La película está llena de rostros cansados, cuerpos peculiares y vulnerables, apartamentos diminutos, calles deterioradas y espacios donde la precariedad no funciona como un decorado pintoresco, sino como una condición material concreta que afecta a la manera de conversar, de moverse, de relacionarse y gestionarlo todo. La cámara observa sin humillar, pero tampoco corrige la realidad para que se torne agradable. Hay algo profundamente honesto en esta decisión estética

    Óscar Restrepo, el protagonista al que da oxígeno de forma virtuosa Ubeimar Ríos, es alguien fuera de lugar no sólo económica o intelectualmente, también físicamente. Su presencia transmite desgaste, el deterioro de derrotas acumuladas. Y, sin embargo, la función encuentra humanidad precisamente ahí, en aquello que el cine suele esconder o suavizar. Los personajes no están creados para ser admirados visualmente, sino para ser comprendidos. La pobreza no se convierte en espectáculo; permanece como telón de fondo constante que condiciona todas las ambiciones culturales del protagonista en un entorno que parece diseñado para negar cualquier ilusión de estabilidad. Por eso la película tiene tanta fuerza. Porque su idea de la poesía no nace de la belleza idealizada, sino de la resistencia cotidiana.

 Otro de los logros de Un poeta es su humor seco, melancólico, que aparece precisamente en los momentos más humillantes del personaje. La película entiende que la frustración intelectual suele convivir con el absurdo. En las escenas en que el protagonista intenta defender su visión del arte vemos que el mundo a su alrededor está ocupado sobreviviendo a problemas más tangibles y perentorios. Esa tensión nunca se resuelve del todo, y ahí reside parte de la inteligencia del relato: no ridiculiza la poesía, pero tampoco la convierte en una sagrada aspiración.

    Con una puesta en escena extremadamente precisa, Mesa Soto sabe cuándo acercarse al rostro del protagonista y cuando dejarlo perderse dentro del encuadre, como si el espacio mismo lo expulsara lenta y tristemente. La fotografía evita la belleza evidente; prefiere una estética apagada que refleje la erosión del personaje, los espacios vivos, llenos de rutinas y sinsabores, de humor y pequeñas formas de supervivencia. Incluso el ritmo pausado tiene una función narrativa, porque obliga al espectador a convivir con el vacío y el ordinario microcosmos que rodea la vida del protagonista.

     Tal vez, lo más valioso de Un poeta sea su honestidad emocional que nos invita a una reflexión: hay ciertas personas que continúan escribiendo, amando o soñando no porque crean realmente en el éxito, sino porque dejar de hacerlo equivaldría a desaparecer. Y en esa obstinación silenciosa, profundamente ética y humana, encuentra la película su verdadera poesía. Es esa mirada, tan poco complaciente lo que la eleva como una de las películas más singulares y valiosas de los últimos años.