LUISA MORAES EN EL FLOJO THRILLER “SOLACE” (2015)

     El director brasileño Afonso Poyart (2 conejos, 2012) da el salto a Hollywood con este thriller que narra la historia de un detective del FBI, Joe (Jeffrey Dean Morgan) que junto a la también agente y psiquiatra Katherine Cowles (Abbie Cornish) están al cargo de un terrible caso: varias personas han sido asesinadas de una forma espantosa con el mismo método y no tienen ninguna pista de la identidad del asesino ni el por qué elige víctimas tan diferentes entre sí. Para intentar resolver el enigma, solicitan la ayuda a un doctor especialista con poderes psíquicos, John Clancy (Anthony Hopkins), que está retirado del mundo desde la muerte de su hija. El detective Joe trata de convencerle para que les ayude y vuelva al cuerpo en activo, aunque sólo sea hasta la resolución del caso.

       

   En forma de thriller psicológico en donde el componente dramático va quedando opacado por el asunto paranormal, Poyart construye un film irregular al que ni siquiera el esfuerzo del competente reparto puede dotar de altura, por un lado debido al flojo guión y por otro a lo trillado de la temática. Como si del juego del gato y el ratón se tratara, uno no puede sino sorprenderse por la habilidad de los poderes de ese mentalista al que da vida Hopkins, que sólo necesita tocar a las personas (también a las víctimas) e incluso a algún objeto que les pertenezca o con el que haya tenido contacto para automáticamente visionar todo su pasado y el inmediato destino que les espera. Un truco gastado y simplista que sin que medie explicación adivinamos pronto que será la clave de la resolución del caso. Así, comprobaremos que el que suponemos un serial killer sin alma (Colin Farrell) resultará un asesino piadoso que cuenta con una sólida justificación moral para cometer los crímenes evitando a las víctimas un sufrimiento inútil. Dilema en el que apenas se profundiza y que se va difuminando entre continuos flash backs, las alarmantes visiones de la psique del doctor y su propio y desgarrador drama personal.  

       

      El film está construido con una argamasa de telefilm de sobremesa y la trama pierde mucho interés tras la primera aparición del asesino encarnado de forma eficaz por Farrel, sin que podamos evitar una molesta sensación déjà vu que nos invita a tomar distancia de la acción que transita ya por derroteros poco originales. No nos engañemos, el tema está ya muy manoseado y la única reflexión aprovechable apunta a la peliaguda cuestión de la eutanasia que nos incita a preguntarnos cómo reaccionaríamos nosotros si el supuesto que propone la película fuera viable y pidiéramos decidir antes de que una enfermedad letal y extremadamente dolorosa convierta nuestro cuerpo en un desahucio del alma. Personalmente, lo que más me ha gustado de la función ha sido la visión del cuerpo desnudo de la bellísima modelo brasileña Luisa Moraes, a quien tiempo atrás se relacionó sentimentalmente con el actor Orlando Bloom. Una mujer hermosa a la que tendremos que seguir a partir de ahora a pesar de su cortísima –y esplendorosa- aparición en este film de su compatriota. Seguro que ofertas no le van a faltar. Observen los fotogramas que ilustran este post y sueñen, sueñen, que eso en este país todavía es gratis.

CRÍTICA: "LOS ODIOSOS OCHO" (Quentin Tarantino, 2015)

Interesante pero no fascinante

LOS ODIOSOS OCHO êêê

DIRECTOR: QUENTIN TARANTINO.

INTÉRPRETES: SAMUEL L. JACKSON, KURT RUSSELL, JENNIFER JASON LEIGH, DEMIAN BICHIR, WALTON GOGGINS, TIM ROTH, BRUCE DERN, MICHAEL MADSEN.

GÉNERO: WESTERN / EE.UU. / 2015  DURACIÓN: 167 MINUTOS.   

              

                                                        

      Para este cronista el cine de Quentin Tarantino dejó de ser fascinante para resultar simplemente interesante desde el estreno de aquella obra maestra titulada Kill Bill (vol. 1 y 2). Interesante me pareció aquel placer culpable titulado Death Proof (2007) un divertido y aparatoso homenaje al cine grindhouse o exploitation  de los años 60 y 70 realizada con múltiples retales cinéfilos. Por supuesto, interesante fue su primera y única incursión hasta la fecha en el cine bélico con Malditos bastardos (2009) que con un flojo guión y algunos diálogos ingeniosos que invitan a la burla tocando temas que son muy serios, sólo sobresalía un Christoph Waltz en una actuación luminosa que evitaba que se derrumbara toda la película. E interesante resultó su primer western, Django desencadenado (2012) film que alterna escenas extremadamente grotescas y chirriantes con otras realmente sublimes para armar un homenaje a los títulos míticos del spaguetti-western. Todo está muy bien, pero ninguna alcanza la maestría de Pulp Fiction, Jackie Brown y Kill Bill, por lo que tenía ganas de comprobar si con Los odiosos ocho (un título en español verdaderamente gilipolla) nos volvía nuevamente a fascinar.  

  

     Pues va a ser que no, desgraciadamente, en la nueva apuesta encontramos el personalísimo sello y todas las constantes estilísticas de su director, pero aún no sé qué aporta a lo ya conocido ni la ambición que persigue. Veamos: Varios años después de la Guerra de Secesión, una diligencia cruza el paisaje nevado de Wyoming. En ella, el cazarrecompensas John Ruth (Kurt Russell) y su fugitiva Daisy Domergue (Jennifer Jason Leigh) intentan llegar al pueblo de Red Rock, donde Ruth la entregará a la justicia. Por el camino se encuentran con dos desconocidos: el mayor Marquis Warren (Samuel L. Jackson) antiguo soldado de la Unión y cazarrecompensas con mala fama y Chris Mannix (Walton Goggins) un renegado sureño que afirma que es el nuevo sheriff del pueblo. La ventisca está cerca y Ruth, Domergue, Warren y Mannix se refugian en la mercería de Minnie, una parada de diligencias. Al llegar al local, se encuentran con cuatro rostros desconocidos: Bob (Demian Bichir) que se ha refugiado junto con Oswaldo (Tim Roth) el verdugo de Red Rock; el vaquero Joe Cage (Michael Madsen) y el general confederado Sanford Smithers (Bruce Dern). Mientras arrecia la tormenta, los ocho viajeros comienzan a pensar que tal vez no lleguen nunca a Red Rock.

     

      

    Tarantino dijo una vez que se retiraría  tras rodar su décima película. No sabemos si cumplirá su promesa, pero lo cierto es que su octava película se encuadra dentro de uno de sus géneros favoritos, el western con toques de comedia negra, y que seguramente realizará una tercera para conformar una trilogía emulando a su admirado Sergio Leone. Mi opinión es que tiene más tino con el thriller y el cine negro, pues subvertir los rígidos códigos del Far West se ha demostrado bastante complicado más allá del toque hiperbólico y granguiñolesco que aportaron maestros del spaguetti-western como el citado Leone, Enzo G. Castellari o Sergio Corbucci, directores a los que el director de Reservoir Dogs rinde pleitesía en esta última película aunque también encontremos estilemas de clásicos como Sam Pechinpah o Sam Fuller. Los odiosos ocho evoca resonancias a la literatura detectivesca de Agatha Christie (Los diez negritos) y juegos de misterio como el Cluedo, y por la pantalla desfilan cazarrecompensas, forajidos sanguinarios, ex militares sudistas y unionistas, verdugos, fugitivas y vaqueros inquietantes, personajes tocados por la fatalidad y las heridas aún en carne viva que la reciente y fratricida Guerra de Secesión ha dejado en los que combatieron –y en los que no- en uno y otro bando. Divida en dos partes bien diferenciadas (antes y después de la primera muerte), Los odiosos ocho es un western más por su estética que por su narrativa en clave y espíritu de relato de suspense, siempre salpicado por el humor corrosivo tan característico de su autor y que tanto molesta a algunos sectores. Durante el dilatadísimo metraje (un error de bulto) tenemos la impresión de que Tarantino es cada año que pasa mejor director de actores, a los que suele tratar con mucho mimo, pero también nos invade la molesta impresión de que esa madurez la ha conseguido a costa  de perder frescura y espontaneidad en la planificación de escenas donde confunde clasicismo con encorsetamiento.   

      Y esto tal vez venga impuesto por el minimalismo del escenario donde se desarrolla casi toda la acción, esa parada de diligencias convertida en una ratonera que a medida que va avanzando la acción se va haciendo más claustrofóbica debido a la tensión ambiental. No nos engañemos, el film tiene muchos altibajos, exceso de verborrea, pasajes que no aportan nada a la historia y algunos subrayados innecesarios, como esos flash backs que revelan la identidad real de los personajes (también el secreto del  insufrible maltrato que Ruth infringe a la fugitiva) cuando llegado ese momento casi todo es previsible o imaginable. Salvo en su espectacular, brioso y sublime arranque (20 minutos) con la diligencia atravesando el blanco paisaje mientras caen los copos de nieve y zumba el viento con la música de Morricone envolviendo el incomparable marco, el resto de la trama se ve penalizada por una forzada teatralidad que aún con la tensión in crescendo y el acertado tono atmosférico pide a gritos que la cámara transite por la inmensidad de ese agorafóbico, gélido y amenazante paisaje, opción que hubiera dotado de dinamismo a la historia. Era previsible que los intereses cruzados del heterodoxo grupo acabaran en un baño de sangre tras la metralla charlatana, los monólogos excitantes y la resolución del ¿quién es quién y qué quiere? Pero la pregunta que se impone es ¿aporta Tarantino alguna idea novedosa en esta extraña miscelánea de géneros que nos presenta? La respuesta es: ninguna,  ni siquiera que una enorme polla negra es un buen instrumento para la humillación.

LA ESCENA QUE MÁS ME HA HECHO LLORAR EN EL CINE

"EL ÚLTIMO TANGO EN PARÍS" (Bernardo Bertolucci, 1973)

       Tras haber visto más de 25.000 películas (casi cinco años completos de mi vida hasta la fecha), me dio por pensar que no han sido muchas las que han conseguido emocionarme hasta la congoja y el llanto. No se trata, en este caso, de hacer un cansino ejercicio de memoria cuando algunas de esas contadas ocasiones han quedado registradas de manera indeleble en mi saludable memoria cinéfila. Así, no puedo evitar que un torrente de lágrimas inunde mi rostro cada vez que veo al tan honrado como desesperado obrero Antonio Ricci de la descomunal Ladrón de bicicletas (Vittorio De Sica, 1948), siendo atrapado por la muchedumbre tras robar una bicicleta y sólo el llanto desconsolado de su pequeño hijo evita que vaya a la cárcel. Lágrimas que también me asaltan en la escena final de La lista de Schindler (Steven Spielberg, 1993), cuando un magnético Liam Nesson se despide de sus tan agradecidos como asustados protegidos. Aflicción que de forma incontrolable también se apodera de mi durante la secuencia del metro parisino cuando Juliette Binoche es acosada por un grupo de magrebíes y sólo un anciano sale en su defensa en la excelente Código desconocido (Michael Haneke, 2000).

       Recientemente un par de películas han conseguido conmoverme hasta el desahogo del llanto purificador en ejercicios sublimes que sirven de ejemplos de cómo una escena puede ser tan incisiva en su planificación como en su reflexión intrínseca: presten atención al Adrien Brody de El Profesor (Detachment, Tony Kaye, 2011), llorando abatido por su enorme carga existencial en un autobús donde sólo viajan dos pasajeros más; una jovencísima prostituta ocupada en hacerle una felación a un viejo y sucio vagabundo que le paga con una bofetada. Difícil se hace reprimir las lágrimas en la declaración bajo juramento de ese piloto alcohólico encarnado por Denzel Washington que quiere vivir, de una vez por todas, en paz con su conciencia en El Vuelo (Flight, Robert Zemeckis, 2012).

      Pero si hay una secuencia que me ha hecho llorar compulsivamente y de forma incontrolable en una sala de cine esa es la del magistral y desgarrador monólogo que realiza un sublime Marlon Brando ante el cadáver de su mujer suicida en esa obra maestra titulada El último tango en París (Bernardo Bertolucci, 1972), un film cuya causticidad responde más a su decadente desarraigo moral que a sus momentos eróticos. Les dejo con esta espléndida secuencia: